1.

SALLE OBSCURE

BACKROOM

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Maxime Le Moing

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Reciclar / reanudar / revisión / rehabilitado / rehabilitación Tome un bisturí, corte estas palabras para mantener solo el prefijo re-. Convierte a tu personaje principal, un detective. Colóquelo entre las palabras de Macabre, las frases oscuras donde sigue lloviendo la noche. Una vez que se completa la operación, la investigación puede comenzar. Una película compuesta por juncos de 150 películas.

2021, France | 45min.

2.

Desastres Naturales

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Andrea Novoa

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Trilogía (16mm) Desastres Naturales es el encuentro de tres películas, tres territorios. Una historia personal que retrata, a través de experimentos revelados por imágenes y extractos de un diario, reuniones vividas y lugares habitados llenos de fuerzas de la naturaleza, colores, incidentes y luchas. Filmado en Cuba y Chile. Dedicado a Lena.

2020, Chile | 25min.

3.

OJOS / OJOS / OJOS / OJOS

EYES / EYES / EYES / EYES

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Albert García-Alzórriz

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En un archivo se conservan los fragmentos de estatuas derribadas. En el interior, el aire de un ventilador acaricia los gestos detenidos de las trabajadoras, que reposan inmóviles. El zumbido del motor y la espera dilatada inducen al sueño: En un sueño, militares y civiles sonríen inertes. (Disparos lejanos, silbidos de balas y explosiones). En otro sueño sólo hay piedras, indiferencia y olvido. (Nada de lo anterior es real ni es cierto).

2020, Spain | 37min. 7s.

4.

RECONOCIMIENTO DE LA RAMIFICACIÓN SIMULTÁNEA

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Wamaya Torres

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(((ESTA PELICULA CONTIENE ALGUNAS LUCES RAPIDAS QUE PODRIAN AFECTAR LA SENSIBILIDAD DE PERSONAS CON EPILEPSIA))) La linea del presente son 8 ramas simultáneas,,.., El objeto de su acción, su ímpetu, su olor bajo la luz susurrante de una naturaleza poética explosiva muerde salvajemente la realidad ,,,Un reconocimiento a la cordura y la esencia de propósito,,, Umbrales de la percepción. Día a noche a tarde a amanecer.

2021, Colombia | 41min. 21s.

5.

Mt Albban the attrition of time

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Ebrahim Mirmalek

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En las escarpadas y áridas alturas solitarias del monte Albban, un feroz movimiento de resistencia luchó una vez contra la injusticia y todo el mundo escuchó sus voces. Fue aquí donde los valientes manifestantes se opusieron a la mayor mina de plata de África. Esta batalla fue la protesta más larga de Marruecos. Pero el tiempo tiene una forma de erosionar los mayores ideales. Y el olvido es un proceso y no un acontecimiento. Con el paso del tiempo, la historia de un grupo de manifestantes casi se ha olvidado. Sus feroces creencias han sido golpeadas y azotadas por los vientos del tiempo y empapadas en las crecientes sombras del olvido.
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Ahora el monte Albban es un lugar vacío, lleno de banderas rotas, decadencia y sueños que desaparecen y el eco de voces antaño resistentes que parecen haber muerto en el viento. La película es una meditación silenciosa que lamenta la erosión de los sueños que ahora cuentan una historia que ya nadie recuerda. Hace muchos años, en un remoto pueblo marroquí, las actividades mineras de Imider extrajeron el agua de los acuíferos y dejaron secas las preciosas reservas de agua de los agricultores de la región. ¿El resultado? Los medios de subsistencia de los agricultores quedaron diezmados, y en 1986 se produjeron algunas protestas. Para luchar contra esta injusticia, los aldeanos subieron a la cima del monte Albban, donde cerraron una válvula de una importante vía de agua hacia la mina, y establecieron un campamento en 2011. Así comenzó una revuelta y una lucha que se mantendría durante casi una década. 9 años después de este acontecimiento, la película observa y capta en silencio el mundo silencioso, extraño y aislado de la montaña donde unos pocos manifestantes mantienen el fuego de la lucha. Pero sus vidas y esperanzas son azotadas por vientos que ahora rasgan las banderas de la resistencia. Un inquietante silencio envuelve a un pueblo abandonado cuyos gritos de justicia se han perdido en las implacables ráfagas y vendavales del tiempo. Antes envalentonados para convertir el mal en un derecho, los manifestantes ahora se tambalean con las simples rutinas de sus vidas y simplemente ven cómo sus batallas pasan al olvido. Se han hecho un hogar en paredes que lloran y lloran lágrimas de pintura vieja. Es un lugar vacante y fantasmal. Lleno de olvido. El único sonido es el de los fuertes vientos que azotan y erosionan la montaña y el espíritu de los manifestantes. La vida está silenciada. Los sueños han sido silenciados y tragados en el vasto vacío del tiempo y la nada. El agua ha dejado de fluir. Las lenguas han perdido su poder. Sólo las sombras de las nubes se mueven sobre este suelo desolado y sólo los vientos gimen y duelen sin cesar. Todo está callado y las voces silenciadas. Todo está perdido, incluso los sueños y las creencias se han secado y se han esfumado, en este vasto vacío.

2020, Iran, Islamic Republic of | 30min.

6.

Transfiguration: Slow Approximation

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Wolfgang Lehmann

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Una descripción de la película en términos de representación del contenido para una obra que no tiene narrativa. 1. La película es un poema-sueño, un conjunto de asociaciones y estados de ánimo. 2. Las imágenes alternan entre la fragmentación, como los frescos desgastados de un edificio abandonado, y las imágenes claras con colores psicodélicos.
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3. Los cuerpos reconocibles están desnudos, el estado original de todo ser humano, pero prohibido y tabú, incluso en el mundo que rebosa de pornografía, la desnudez es un asunto tabú. Una tradición que impregna la historia cultural occidental, por ejemplo, Charles Darwin identificó precisamente a las culturas que estaban desnudas como la forma más primitiva de desarrollo humano. 4. La desnudez es una utopía en la película. La desnudez y la naturaleza: los árboles y el paisaje. Los movimientos de las personas son abrazos y caricias tiernas, pero también peleas y juegos. 5. El mar, tercer protagonista, es siempre actual. La vida surgió de él y la vida desaparece bajo él cuando las masas de agua suben y la tierra bajo ellas desaparece. No es casualidad que el mar sea a veces rojo, por toda la sangre que se derrama en él pero también como el color del amor, a veces es verde, el color de la esperanza pero también el color de las algas, y a veces aparece de color dorado. 6. La película es un cuadro onírico, un cine-poema, no hay una narrativa clara ni una interpretación correcta, la película se defiende de la idea de que todo puede ser explicado y reproducido en una narrativa lógica. 7. La película es una mediación melancólica sobre la belleza y su destrucción por la estupidez y la estrechez de miras de la gente. 8. El cuerpo desnudo es una utopía para las personas que están en armonía con la naturaleza y son anticivilizadas. Una descripción alternativa de la película: Las imágenes y su montaje generan un torrente de percepciones y asociaciones, si se quiere, son imágenes oníricas pastorales de ternura y amor, pero sobre el conjunto hay un sentimiento de tristeza y destrucción. El comienzo de la película está en el límite de lo reconocible y es brutal en su desmembramiento, con el tiempo llegan momentos más tranquilos, pero tampoco son seguros. Una tormenta eléctrica flota en el aire y la violencia del mar en imágenes y sonido. Una mediación sobre el paso podría ser una interpretación – pero el material de la imagen puede ser interpretado de manera muy diferente como cada poema, también está en las experiencias y asociaciones del espectador lo que uno ve y siente por último. La idea de esta película es ser un fragmento visual, no hay una narrativa clara, el espectador es dejado a sus propios pensamientos. No hay una interpretación correcta o incorrecta, como ya se ha escrito. Esta película es, en definitiva, un poema ilustrado, una imaginación y una experiencia trascendental. Un misterio visual inspirado en la pintura puntillista e impresionista. A diferencia de un cuadro que se mantiene inmóvil en el tiempo, la ventaja o desventaja (según se quiera) es que la película tiene una dimensión temporal. Todo está en un proceso constante de cambio. El collage de imágenes funciona en gran medida con vibraciones psicodélicas de metraje apropiado (found footage) y metraje de creación propia respaldado por un sonido electrónico. La imagen se deconstruye mediante píxeles, composiciones digitales y superposiciones de diferentes partes de la imagen. El flujo de imágenes de la película parece un fresco desgastado. El cuerpo humano sigue siendo reconocible, pero está rodeado de superposiciones que fragmentan la imagen y le dan su aura.

2021, Sweden | 42min. 40s.

7.

Coincidents: trilogy

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Carole Kim, visual artist, Scott L. Miller, composer, Zeitgeist Ensemble

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Coincidente # 1: al dirigir a los músicos Zeitgeist a explorar y restringir su paleta a los sonidos mecánicos en sus instrumentos, el compositor Scott Miller ya estaba dirigiendo sus composiciones en la dirección de lo inesperado. Esta dieta de WHUPS, WHLINS, florecimientos metálicos y Klangs desencadenan una intrincada serie de cálculos dentro del reino electrónico de Scott, estableciendo momentos disruptivos que se refiere a “eventos” o “campanas”. Las mismas cucharas que alimentan este sistema electrónico están señaladas para navegar por la partitura.
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La reacción de la cadena no es linealmente evidente como en un artilugio de Rube Goldberg, pero uno tiene la impresión de que un organismo con un sistema nervioso que desarrolla está bajo el microscopio de nuestra atención. Es desde este punto de vista observacional que conjuré los visuales para este paisaje sonoro. A través del análisis de frecuencia, conecto los impulsos auditivos a un sistema nervioso visual igualmente reactivo que flota y tiene espasmos a los propios sonidos que animan el organismo. El más minimo cambio en la variable produce comportamientos notablemente diferentes. Con una fascinación profundamente arraigada por el modo en que la proyección de vídeo se comporta con diferentes materiales físicos, creé dos microinstalaciones, una de materia vegetal seca y otra de vidrio y papel encerado. La vista de las cámaras en vivo se componen en tiempo real para dar a este organismo espacio para moverse y respirar. Una interacción bien afinada de observación y respuesta cercanas permite que este mundo florezca y se despliegue. Para Coincidente # 2: Movimiento # 1 sugiere un mundo u organismo interno lleno de nervios y embarcaciones excitables. Para Coincident #2, dentro de la misma microinstalación de vídeo, buscaba crear una mayor sensación de amplitud. Estas extrañas sombrillas huecas descienden y ascienden con largas ataduras y, en última instancia, ejercen un comportamiento territorial. Se balancean a partir del patrón meteorológico de los vientos de retroceso de las explosiones que a veces se encuentran con una completa indiferencia como un meteorito que elude una colisión en su curso.
Coincidencia #3: Agitable. Frenético, estroboscópico, espástico, nervioso. Sincronizando el golpeteo de nuestros relojes interiores. La nave nodriza está implícita: ¿para una visita corta o aquí para quedarse? Los palpadores buscan información, vibraciones empáticas en la atmósfera, aventurándose a acercarse para oler de nuevo.

2021, United States | 31min. 24s.

8.

Vincenzo Vela. Il sogno della materia

Vincenzo Vela. The Dream of Matter

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Adriano Kestenholz

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El vídeo musical “Vincenzo Vela – El sueño de la materia” forma parte de una obra multimedia más amplia que el director y productor Adriano Kestenholz concibió a raíz de su investigación personal sobre las vías de intersección e hibridación entre el cine, el arte, la música y la poesía. En esta obra el director Adriano Kestenholz se mueve en varios niveles, permitiendo al espectador innumerables puntos de vista y múltiples miradas. En esta película de arte, las obras plásticas del escultor Vincenzo Vela (1821- 1891) son revisadas al hilo de una actuación musical, en una continua comparación entre los modelos de yeso conservados en la casa-museo dedicada al artista y sus respectivas obras en bronce y mármol colocadas en diversos lugares de Italia, Suiza y Francia.
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A caballo entre el documental de arte y la performance musical, este proyecto artístico transporta al espectador a una geografía imaginaria -casi un atlas de la obra de Vincenzo Vela- donde confluyen la proximidad y la distancia, la materia plástica y las evanescencias fantasmales. Un viaje cinematográfico donde incluso la música compuesta ad hoc por el maestro suizo Andreas Pflüger encuentra la armonía en la forma plástica de las esculturas y donde las palabras de la voz femenina de la soprano Laura Catrani, extraídas de las cartas del escultor, forman una especie de textura sonora, vaga alusión a una corriente de conciencia del artista y a su compromiso ético y político con el arte de su tiempo. La aplicación de proyecciones, durante el rodaje de la película, y un largo, sagaz y complejo trabajo de postproducción, trastocan los límites de la localización original y permiten al espectador un acercamiento de dislocación imaginaria, volviendo a convertir la obra escultórica de Vincenzo Vela en una lectura contemporánea.

2020, Switzerland | 31min. 45s.

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